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Christian Parent | Two Composers: Rachmaninov And Ravel

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Two Composers: Rachmaninov And Ravel

by Christian Parent

The pianist Christian Parent plays the music of two composers. Rachmaninov: A spontaneous and moving piano performance. Ravel: A clear and transparent interpretation.
Genre: Classical: Piano solo
Release Date: 

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1. Prélude En Sol Dièse Mineur: In G Sharp Minor Op. 32, No. 12
2:34 $0.99
2. Prélude En Do Dièse Mineur: In C Sharp Minor Op. 3, No. 2
5:21 $0.99
3. Prélude En Fa Dièse Mineur: In F Sharp Minor Op. 23, No. 1
4:28 $0.99
4. Prélude En Sol Mineur: In G Minor Op. 23, No. 5
4:21 $0.99
5. Prélude En Ré Majeur: In D Major Op. 23, No. 4
5:16 $0.99
6. Prélude En Do Mineur: In C Minor Op. 23, No. 7
2:33 $0.99
7. Ondine (Excerpt From Gaspard De La Nuit)
6:33 $0.99
8. Menuet (Sur Le Nom De Haydn)
2:19 $0.99
9. Jeux D'eau
5:31 $0.99
10. Pavane (Pour Une Infante Défunte)
6:14 $0.99
11. Sonatine Modéré
4:36 $0.99
12. Sonatine Mouvement De Menuet
3:01 $0.99
13. Sonatine Animé
3:52 $0.99
Downloads are available as MP3-320 files.


Album Notes
Sergey Rachmaninov (1873-1943) composed 24 preludes for piano which have often been compared to Chopin's. Some, like Prelude in C Sharp Minor,
op. 3, No. 2, became very popular, while others were received with more reserve.

This disc presents six preludes from Opus 3, 23 and 32. Written at different times in the composer's life, these six selections are outstanding, musically and esthetically. Moreover, they witness Rachmaninov's tremendous talent as a pianist, for while he is widely acclaimed as a composer today, his reputation as a pianist among his contemporaries was unprecedented.

In a highly unique style, the preludes develop a sphere of resonance where each musical idiom blends into a melody line sustained by harmonies in pastel tones. The order of presentation of the pieces here is somewhat unusual as it reflects a progression of tonalities and alternates between lively and slow movements to form a melodious whole.

Opus 32 springs from a period of intense creativity. Upon Rachmaninov's return to Russia in 1910 after touring America, he wrote his first religious work, Liturgy of St. John Chrysostomus, op. 31. That summer he completed the 13 preludes that make up Opus 32. In fact, the creative juices were flowing so fast that he composed them all in 17 days. Prelude No. 12 in particular is a fine example of Rachmaninov's piano composition style. While the tonality of the work, G sharp minor, imparts a distinctive intensity and quality of sound, the stylistic elements of a new school of piano also appear in this prelude.

Rachmaninov was only 19 years old when he wrote Prelude in C Sharp Minor, op. 3, No. 2 (1892). It begins with three solemn notes followed by a melody that illuminates a monumental structure built on double chords. The middle section, a passionate storm, builds with inexorable ascent of the theme. The prelude concludes by returning to the original movement in an even denser pattern, to finish in a coda of diffuse harmonies and compelling intimacy. The deep, throbbing bass notes in this and several other of Rachmaninov's works, such as his Second Piano Concerto, are reminiscent of the gonging bells of orthodox monasteries heard from the young child's window.

From the first notes of Prelude op. 23, No. 1, the listener is transported by a musical phrase of quasi-ethereal softness. This right-hand melody is supported by a flawlessly regular accompaniment within which an insistent yearning is heard. The intense emotion of the piece climaxes two-thirds of the way through, then slowly recovers its earlier plaintive serenity.

By contrast, Prélude op. 23, No. 5 begins as a military march on repeated rhythmic harmonies, followed by a more lyrical central section where the pianist can give full reign to his melodies inspiration. The theme repeats at the end in a more complex, grandiose form.

Prelude op. 23, No. 4 in yet another style, reveals the influence of Chopin on Rachmaninov's music. The sublime beauty of the melody convincingly translates the pure emotion it espouses. Here we understand what Rachmaninov meant when he said, in describing his music, "I wanted to sing."

In Prelude op. 23, No. 7, Rachmaninov expresses himself through the transcendent technique of the pianist's fingers. While exceptionally fluid, this piece is more than just a technical work. Once again, in a sophisticated piano language, the melody is central and serves as the leading element through the piece.

This Russian poet of the keyboard, though quite current, is a romantic soul and overwhelmingly sincere. From a deep attachment to his culture and country, Rachmaninov exudes a magical fascination and speaks to us from the heart.

French composer Maurice Ravel (1875-1937) traced his roots to Switzerland through his paternal grandfather and Spain through his mother. From his grandfather he inherited the meticulousness of his art, from his mother, pride, perseverance and an untamed "fury" that drove him to heights of perfection.
He was a short, stocky man, discrete and modest, fascinated by automatons and mechanical toys. This eternal child, for whom every note penned was an absolute necessity, calls us into a world where the sensual and the voluptuous coexist with the precision of infallible craftsmanship. Ever limpid and transparent, his music includes exotic notes where a Javanese or Balinese influence might intertwine with a jazzy Hispanic rhythm. Simple, easy-to-remember melodies emerge in the midst of dry, piercing chords with uncommon harmonies. This mixture of tenderness and feigned insensitivity creates an extraordinary balance of sound that projects with dazzling clarity.

The five compositions presented here reflect 10 years of intense artistic work in the composer's life. The first, Ondine (1908), one of the three pieces in Gaspard de la nuit inspired by three romantic poems of Aloysius Bertrand, was described by Ravel himself as a work of "transcendental virtuosity." As in Jeux d'eau, the water theme gives Ravel an ideal pretext to do away with convention: in a surge of arpeggios, tremolos and broken rhythms, he seeks an "esthetic" effect, rightly or wrongly labelled impressionism.

Ravel's Menuet sur le nom de Haydn (1909) was one of the works commissioned by the Société Musicale Indépendante to commemorate the centenary of Joseph Haydn's death. Composed around a binary structure, the pièce keeps its 3/4 time cleverly disguised within a phenomenally rich musical score. This return to the form of the "miniature" may well be a key characteristic in the renaissance of French music in our century, to which Ravel is no stranger.

His inspiration for Jeux d'eau (1901) came from an alexandrine by Henri de Régnier, "Dieu fluvial riant de l'eau qui le chatouille." A work of great virtuosity, it expresses the spectacle of moving water in a fluid composition style. The piece is an enchanting play between light and shadow that evokes gurgling, splashing sprays and falls. Ravel introduces an entirely new style here for the keyboard. He redefines the modes of piano expression in an attempt to capture a degree of authenticity beyond the level of mere evocation.

Pavane pour une infante défunte, written under the influence of Emmanuel Chabrier, seems to echo the latter's Idylle composed in 1881. Pavane even borrows some of its melodies forms. The simple language of this work has ensured its great popularity, past and present.

Ravel composed Sonatine (1905) in response to a competition organized by a music magazine. The first of its three movements, a moderate one, is a naive melody of graceful, lyrical charm interspersed with occasional acid chords recalling the acerbic nature of Ravel's style. The second takes the form of a menuet with an impish, somewhat mysterious allure. A bewitching magic emanates from this well-hinged miniature and brings music boxes to mind. The finale, another masterpiece in the return to French classicism, sweeps the listener away in a spirited movement, an eddy of frenzied rhythms.

The maestro in search of internal truth, the child of enchantment, Ravel leaves to posterity some of the most beautiful pages of piano music for all time.

Christian Parent et Michel Duchesneau (translation: Barbara Dingwall)

Sergueï Rachmaninov (1873-1943) a composé vingt-quatre préludes pour le piano que l'on a souvent comparés aux préludes de Chopin. Certains connurent ainsi une grande popularité comme le Prélude en do dièse mineur op. 3 no. 2, d'autres furent accueillis avec plus de réserve. Ce disque présente six préludes tirés des opus 3, 23 et 32. Composés durant diverses périodes de la vie du compositeur, il s'agit là de six pièces remarquables tant au niveau musical qu'esthétique. De plus, elles témoignent des talents extrêmes de Rachmaninov comme pianiste, car si aujourd'hui sa réputation de compositeur n'est plus à faire, celle de pianiste fut de son vivant sans précédent. D'une écriture très personnelle, ces pièces développent un univers sonore où les formes expressives se coordonnent aux lignes mélodiques soutenues par des harmonies dans des tons pastel.

L'ordre de présentation des préludes est ici un peu particulier car il tient compte de l'enchaînement des tonalités et d'une alternance relative des mouvements vif-lent pour créer un tout cohérent.

L'opus 32 appartient à une période d'intense activité créatrice. En 1910, en effet, alors qu'il est de retour en Russie après une tournée en Amérique, il écrit sa première œuvre religieuse: la Liturgie de Saint-Jean-Chrysostome op. 31. Au cours de l'été il termine les 13 préludes qui forment l'opus 32. En réalité, il les compose en 17 jours tant son inspiration est féconde. Parmi ceux-ci, le Prélude no. 12 est l'exemple-type de cette écriture pianistique propre a Rachmaninov. Outre une tonalité (sol dièse mineur) qui donne à la pièce une intensité et une couleur sonore particulières, on retrouve dans ce prélude les éléments stylistiques d'une nouvelle école de piano.

Rachmaninov n'a que 19 ans lorsqu'il écrit le Prélude en do dièse mineur op. 3 no 2 (1892). La première partie du prélude commence par trois notes solennelles suivies d'une mélodie illuminant une structure massive bâtie sur des accords redoublés. La partie centrale, tempête passionnée, s'intensifie avec la montée inexorable du chant. Le prélude se termine par un retour au mouvement original à travers un tissu sonore d'une densité encore plus grande, pour aboutir finalement à la coda aux harmonies diffuses d'une intériorité prenante. En écoutant les basses profondes et lancinantes de cette œuvre, on ne peut s'empêcher de penser aux tintements des cloches des monastères orthodoxes qui ont bercé l'enfance du compositeur, et que l'on retrouve d'ailleurs dans plusieurs de ses œuvres, tel le deuxième Concerto pour piano et orchestre.

Dès les premières notes du Prélude op. 23 no 1, l'auditeur est suspendu à l'écoute de la phrase musicale d'une douceur presque immatérielle. Celle-ci, jouée par la main droite, est soutenue par un accompagnement d'une régularité irréprochable dans lequel on distingue une voix langoureuse, obsessionnelle. L'émotion intense contenue dans ce morceau atteint un sommet aux deux tiers de l'œuvre, puis décroît lentement pour retrouver sa sérénité plaintive première.

En contraste, le Prélude op. 23 no 5 commence comme une marche militaire sur des rythmes d'accords répétés suivis par une partie centrale plus lyrique où l'interprète peut laisser libre cours à son inspiration mélodique. Dans une dernière partie, le thème se répète mais sous une forme plus développée, plus «grandiose».

Tout aussi différent, le Prélude op. 23 no 4 laisse planer l'influence de Chopin sur la musique de Rachmaninov. L'extrême beauté de la mélodie, sans fausse pudeur, traduit de façon convaincante toute l'émotion pure qui s'en dégage. On comprend ici la signification des paroles de Rachmaninov sur sa musique: «je voulais chanter».

Dans son Prélude op. 23 no 7, Rachmaninov s'exprime par la transcendance des doigts de l'interprète. D'une fluidité exceptionnelle, cette pièce n'est cependant pas qu'une œuvre technique. Ici encore, à travers un langage pianistique sophistiqué, la mélodie joue un rôle fondamental et constitue l'élément conducteur de l'œuvre.

Ce poète russe du clavier tout à fait actuel, est une âme romantique d'une sincérité bouleversante. Profondément attaché à sa culture et à son pays, Rachmaninov exerce sur nous une fascination magique en nous parlant le langage du cœur.

Compositeur français d'origine suisse par son grand-père paternel, espagnol par sa mère, Maurice Ravel (1875-1937) possède de l'un la méticulosité artisanale, de l'autre la fierté, l'obstination, une sorte de «furie» indomptable qui le pousse vers la perfection sublime. Ce petit homme râblé, discret, pudique, fasciné par les automates et les jouets mécaniques, cette âme-enfant pour qui chaque note sortie de sa plume était une nécessité absolue, nous ouvre les portes d'un monde où la sensualité et la volupté voisinent avec la rigueur de son écriture infaillible. Sa musique empreinte d'exotisme où se mêlent parfois des influences javanaises, balinaises sur des rythmes jazzés aux couleurs hispaniques est toujours très limpide, transparente. Des mélodies simples, faciles à retenir, évoluent parmi des accords incisifs, secs, aux harmonies inusuelles. Ce mariage de tendresse et de fausse dureté crée un équilibre sonore extraordinaire qui se projette dans une clarté éblouissante.

Les cinq pièces présentées ici sont des compositions qui témoignent de dix années d'intenses activités artistiques du compositeur. La première, Ondine (1908), l'une des trois pièces qui forment Gaspard de la nuit Inspiré par trois poèmes romantiques d'Aloysius Bertrand, fut qualifiée d'œuvre d'une «virtuosité transcendentale» par Ravel lui-même. Tout comme dans Jeux d'eau, le thème de l'eau donne à Ravel un prétexte idéal pour exclure toute forme traditionnelle, et dans un déferlement d'arpèges, de trémolos et de rythmes brisés, Ravel recherche un effet « esthétique »... que l'on qualifiera à tort ou à raison d'impressionnisme.

Le Menuet sur le nom de Haydn (1909) est une commande de la Société Musicale Indépendante pour un recueil commémorant le centenaire de la mort de Joseph Haydn. L'œuvre, de structure binaire, préserve la mesure 3/4 mais celle-ci est savamment dissimulée dans un texte d'une richesse musicale exceptionnelle. Ce retour à la forme de «miniature» est probablement l'une des caractéristiques les plus importantes du renouveau de la musique française du XXe siècle, auquel Ravel n'est pas étranger.

Jeux d'eau qui date de 1901 est inspiré par l'alexandrin d'Henri de Régnier «Dieu fluvial riant de l'eau qui le chatouille». Cette œuvre de haute virtuosité, exprime grâce à la fluidité de son écriture, l'univers merveilleux des eaux en mouvement. C'est une féerie d'ombres et de lumières où les reflets les plus divers se jouent avec une réalité unique à travers le ruissellement de jets d'eau et de cascades. Ravel crée ici pour le clavier, un style entièrement nouveau. Il repense les modes d'expression pianistique par souci de cerner l'authenticité au-delà de la simple évocation.

La Pavane pour une Infante défunte (1899) écrite sous l'influence d'Emmanuel Chabrier, fait penser à Idylle, composée en 1881 par ce dernier. La Pavane lui emprunte notamment certaines formes mélodiques. Conçue dans un langage d'une grande simplicité, elle connut et connaît encore un immense succès.

La Sonatine (1905) vit le jour à la suite d'un concours organisé par une revue musicale. Elle comprend trois mouvements. Le premier, modéré, laisse courir une mélodie ingénue d'un grand lyrisme et pleine de grâce dont le charme se voit entrecoupé de quelques accords acides qui ne sont pas sans rappeler le caractère acerbe du style de Ravel. Le deuxième mouvement prend une forme de menuet à l'allure coquine, quelque peu mystérieuse. La magie émanant de cette miniature articulée qui évoque les boîtes à musique est enchanteresse. Le finale, autre chef-d'œuvre du retour au classicisme français, emporte l'auditeur dans un mouvement animé, tourbillon de rythmes frénétiques.

Maître artisan, à la recherche d'une vérité intérieure, Ravel, cet enfant des sortilèges, laisse en héritage et à l'abri du temps, certaines des plus belles pages de la musique pour piano.

Christian Parent et Michel Duchesneau



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