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Dúo Ditirambo | Perpetuum Mobile

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Classical: Chamber Music Classical: Contemporary Moods: Featuring Guitar
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Perpetuum Mobile

by Dúo Ditirambo

"A perfect ensemble, a colouring of tones and resonant perfumes that enraptured the ears..." "Un ensamble perfecto, una coloración de timbres y perfumes sonoros que extasían los oídos..."
Genre: Classical: Chamber Music
Release Date: 

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1. Omaggio a Fellini
4:57 $0.99
2. 7 Canciones Populares Españolas: 1. Paño Moruno
2:09 $0.99
3. 7 Canciones Populares Españolas: 2. Seguidilla Murciana
1:19 $0.99
4. 7 Canciones Populares Españolas: 3. Asturiana
3:06 $0.99
5. 7 Canciones Populares Españolas: 4. Jota
3:25 $0.99
6. 7 Canciones Populares Españolas: 5. Nana
2:59 $0.99
7. 7 Canciones Populares Españolas: 6. Canción
1:36 $0.99
8. 7 Canciones Populares Españolas: 7. Polo
1:26 $0.99
9. Suite Para Viola Y Guitarra: 1. Perpetuum Mobile
1:34 $0.99
10. Suite Para Viola Y Guitarra: 2. Variación Sobre Una Melodía De Albéniz
5:07 $0.99
11. Suite Para Viola Y Guitarra: 3. Presto
1:44 $0.99
12. Koyunbaba Op. 19 for Solo Guitar
13:07 $0.99
13. Histoire Du Tango: 1. Bordel 1900
3:47 $0.99
14. Histoire Du Tango: 2. Café 1930
7:32 $0.99
15. Histoire Du Tango: 3. Nightclub 1960
6:07 $0.99
16. Histoire Du Tango: 4. Concert D'aujourd'hui
2:58 $0.99
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Album Notes

The contents in PERPETUUM MOBILE have been selected with the intention of sharing with the listeners a vivid musical experience, similar to that of a live concert, thus favoring the variety and fluency characteristic of a recital program.

OMAGGIO A FELLINI was composed by Simone Iannarelli in Paris in 1998. Originally for the concertina, cello and guitar, the work has been described by the composer as follows:

This is a tribute to the genius of the imagination —sometimes baroque, as described by a critic—, the surreal and the abstract dreamer: Federico Fellini. Sound and picture, film and music . . . There is a special alchemy that gives life to transcendental art when two genius characters cross paths. This is the case of Federico Fellini and Nino Rota, or Sergio Leone and Ennio Morricone. The work is based on a theme written by Nino Rota for the film Fellini, "Otto e mezzo" (8 ½). In this version, the viola and guitar’s timbres blend exquisitely in both the fast opening section as in the nostalgic middle section. A brief journey into Federico’s dreams where he reminds us with his words: "Nothing is known, everything is imagined".

The folklore roots of various regions of Spain inspired Manuel de Falla to write the "Seven Popular Spanish Songs", to which he later referred to as saying: "Rather than making a strict use of the folksongs, I tried to extract from them their rhythm, modality, its lines and typical ornamental motifs, its modulatory cadences [...]. I modestly believe that in folksongs the soul is more important than the lyrics [...]. Furthermore, the rhythmic and harmonic accompaniment of a folksong is just as important as the song itself. Therefore, the inspiration must be directly taken from the people [...] ".

The viola and guitar version on this CD was based on various transcriptions: the violin and piano transcription by Paul Kochanski and the guitar transcriptions by Jaume Torrent and Miguel Llobet.

SUITE FOR VIOLA AND GUITAR 2008 was premiered by Duo Ditirambo in the "Jornadas de Música Contemporánea de Segovia", Spain, in 2009. Written by Fernando Buide del Real, this work has a special meaning for us: not only has it been written by an admired composer and friend, but also we believe this is a significant addition to the guitar chamber music repertoire. In the composer's words: "This work was conceived after the desire of combining the contrasting timbres of the viola and the guitar. Each section of the work uses a limited number of elements that serve as a ‘germ’ of the whole musical texture. The three movements articulate progressions toward a climax that serves as the culmination for the narrative of each section.”

Written in 1985, this piece for solo guitar by Carlo Domeniconi has achieved an unprecedented popularity as a part of the contemporary repertoire of the instrument. About this work the English composer John Duarte wrote:

The title has two meanings, a shepherd (Koynu=sheep) and the name of a [15th-century] holy man in the southwest region of Turkey, an area that [now] bears his name. The concept brings two meanings together: a shepherd has both the time and the insight to contemplate and understand the vastness and immense power of nature. Koyunbaba [the region] contains spectacular landscapes and seascapes that invite profound thoughts mirrored in Domeniconi's work. Each movement develops its own separate mood —in the hypnotic fashion of Eastern music — on a time scale, which reflects the unhurried life of a shepherd.

HISTORY OF TANGO illustrates the evolution of the Argentinian genre throughout its four movements. In this work Astor Piazzolla brilliantly synthesizes the essence of tango music that was played in each period:

Bordel 1900: The tango originated in Buenos Aires in 1882. It was first performed on the guitar and flute. Later arrangements began to include the piano, and then the concertina. This music is full of grace and liveliness. It paints a picture of the good natured chatter of the French, Italian, and Spanish women who peopled those bordellos as they teased the policemen, thieves, sailors, and riffraff who came to see them. This is a high-spirited tango.

Café 1930: This is another age of the tango. People stopped dancing to it as they did in 1900, preferring instead simply to listen to it. It became more musical, and more romantic. This tango has undergone total transformation: the movements are slower, with new and often melancholy harmonies. Tango orchestras consist of two violins, two concertinas, a piano, and a bass. The tango is sometimes sung as well.

Night Club 1960: This is a time of rapidly expanding international exchange, and the tango evolves again as Brazil and Argentina come together in Buenos Aires. The bossa nova and new tango are moving to the same beat. Audiences rush to the night clubs to listen earnestly to the new tango. This marks a revolution and a profound alteration in some of the original tango forms.

Concert d’aujourd’hui: Certain concepts in tango music become intertwined with modern music. Bartok, Stravinsky, and other composers reminisce to the tune of tango music. This [is] today’s tango, and the tango of the future as well.


Hemos seleccionado el contenido de PERPETUUM MOBILE con la intención de transmitir al oyente una experiencia musical viva, similar a la de un concierto, para favorecer así la diversidad y el dinamismo con la lógica de un programa de recital.

OMAGGIO A FELLINI fue compuesta por Simone Iannarelli en París en el año 1998. Original para bandoneón, violonchelo y guitarra, la obra ha sido descrita por su autor de la siguiente manera:

Éste es un tributo al genio de la imaginación —en ocasiones barroca, como algún crítico la definió—, al soñador abstracto y surrealista: Federico Fellini. Sonido e imagen, cine y música… Hay una especial alquimia que da vida a obras de arte trascendentales cuando los caminos de dos personajes geniales se cruzan; tal es el caso de Federico Fellini y Nino Rota, o de Sergio Leone y Ennio Morricone. La obra se basa en un tema que Nino Rota compuso para la película Fellini, Ocho y medio (8 ½). En esta versión el timbre de la viola y el de la guitarra se funden de manera exquisita tanto en la rápida parte inicial, basada en ritmos impares, como en la nostálgica melodía que caracteriza la parte central. Un breve viaje en los sueños de Federico, donde con sus palabras nos recuerda: "Nada se sabe; todo se imagina".

Inspirado en las raíces folclóricas de distintas regiones de su país natal, Manuel de Falla escribió esta obra a la que luego se refirió diciendo: “Más que utilizar severamente los cantos populares, he procurado extraer de ellos el ritmo, la modalidad, sus líneas y motivos ornamentales característicos, sus cadencias modulantes [...]. Pienso, modestamente, que en el canto popular importa más el espíritu que la letra [...]. Aún diré más: el acompañamiento rítmico y armónico de una canción popular tiene tanta importancia como la canción misma. Hay que tomar, por tanto, la inspiración directamente del pueblo [...]”.

Esta versión para viola y guitarra se ha basado en las transcripciones para violín y piano de Paul Kochanski y en las de Jaume Torrent y Miguel Llobet para guitarra.

SUITE PARA VIOLA Y GUITARRA 2008 fue estrenada por el Dúo Ditirambo en las "Jornadas de Música Contemporánea de Segovia", España, en 2009. Escrita por Fernando Buide del Real, esta obra tiene un significado especial para nosotros, pues además de haber sido creada por un admirado compositor y amigo, consideramos que es una importante aportación al repertorio de música de cámara con guitarra. En palabras de Fernando, “esta obra nace de la voluntad de conjugar los timbres disímiles de viola y guitarra. Cada sección elabora una serie reducida de elementos musicales que sirven de germen a todo el tejido musical. Los tres movimientos articulan progresiones hacia la culminación narrativa de cada sección”.

Con menos de tres décadas de existencia, la Suite Koyunbaba, Op. 19, para guitarra sola, de Carlo Domeniconi, ha alcanzado una popularidad extraordinaria como parte del repertorio contemporáneo del instrumento. Acerca de esta obra el compositor inglés John Duarte escribió:

El titulo tiene dos significados: un pastor y el nombre propio de un hombre sagrado [del siglo XV] de la región del sudoeste de Turquía, área que [ahora] lleva su nombre. El concepto nos brinda dos significados en conjunto: un pastor tiene el tiempo y la visión para contemplar y comprender la vastedad y poder inmenso de la naturaleza. Koyunbaba [la región] posee espectaculares paisajes de tierra y mar que invitan a la profunda meditación, lo cual se refleja en la obra de Domeniconi. Cada movimiento desarrolla su propio carácter —en el estilo hipnótico de la música oriental— en una escala de tiempo que refleja la tranquila vida de un pastor.

HISTORIA DEL TANGO nos muestra la evolución del género en cuatro movimientos. En esta obra Astor Piazzolla sintetiza con genialidad la esencia del tango que se tocaba en cada época:

Bordel 1900: El tango se originó en Buenos Aires en el año de 1882. En un principio los instrumentos utilizados eran la guitarra y la flauta. Luego vinieron los arreglos que incluían el piano y la concertina. Esta música está llena de gracia y picardía, pues retrata el alegre parloteo de las francesas, italianas y españolas que vivían en aquellos burdeles coqueteando con los policías, ladrones, marineros y malevos que las visitaban. Éste es un tango de espíritu alegre.

Café 1930: Otra época del tango. La gente dejó de bailarlo como en 1900 y prefirió, simplemente, escucharlo. Se volvió más musical y más romántico. Este tango ha sufrido una completa transformación: los movimientos se volvieron más lentos, con armonías nuevas y a menudo melancólicas. Las orquestas de tango consistían en dos violines, dos bandoneones, un piano y un contrabajo. A veces se cantaba.

Night Club 1960: Ésta es una época de rápido crecimiento en el intercambio internacional, y el tango vuelve a evolucionar mientras Brasil y Argentina se reúnen en Buenos Aires. La bossa nova y el tango nuevo se mueven al mismo ritmo. La gente concurre a los clubs nocturnos para escuchar este tango nuevo. Esto marca una revolución y profunda alteración de ciertas formas del viejo tango.

Concert d’aujord-hui: Ciertos conceptos en tango se entrelazan con la música moderna. Bartok, Stravinski y otros compositores remanecen al ritmo de la música de tango. Éste es el tango de hoy y del futuro.



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