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Proemium Metals Brass Quintet | Escenas Contemporáneas

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Avant Garde: Classical Avant-Garde Avant Garde: Avant-Americana Moods: Instrumental
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Escenas Contemporáneas

by Proemium Metals Brass Quintet

Un recorrido por distintas escenas de la música contemporánea. Primera grabación mundial de cinco obras para quinteto de metales, tres de ellas para quinteto solista y orquesta, en las que la belleza, tradición e innovación se fusionan
Genre: Avant Garde: Classical Avant-Garde
Release Date: 

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1. Petite Suite for Brass Quintet and Orchestra: I. Overture
Proemium Metals Brass Quintet, Orquesta Universidad de Granada & Gabriel Delgado Morán
1:46 $0.99
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2. Petite Suite for Brass Quintet and Orchestra: II. Valse
Proemium Metals Brass Quintet, Orquesta Universidad de Granada & Gabriel Delgado Morán
4:18 $0.99
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3. Petite Suite for Brass Quintet and Orchestra: III. March
Proemium Metals Brass Quintet, Orquesta Universidad de Granada & Gabriel Delgado Morán
2:54 $0.99
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4. Petite Suite for Brass Quintet and Orchestra: IV. Interlude
Proemium Metals Brass Quintet, Orquesta Universidad de Granada & Gabriel Delgado Morán
4:05 $0.99
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5. Petite Suite for Brass Quintet and Orchestra: V. Finale
Proemium Metals Brass Quintet, Orquesta Universidad de Granada & Gabriel Delgado Morán
2:45 $0.99
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6. Maternal, Fantasia I Fuga (Versión para Quinteto de Metales y Orquesta de Luca Petrongari)
Proemium Metals Brass Quintet, Orquesta Universidad de Granada & Gabriel Delgado Morán
7:38 $0.99
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7. Escenas de "Campana y Piedra" para Quinteto de Metales Solista y Orquesta
Proemium Metals Brass Quintet, Orquesta Universidad de Granada & Gabriel Delgado Morán
7:35 $0.99
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8. Anemoi, for Brass Quintet
Proemium Metals Brass Quintet
12:30 $0.99
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9. Brass Quintet No. 2: I. Allegro energico
Proemium Metals Brass Quintet
4:32 $0.99
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10. Brass Quintet No. 2: II. Adagio
Proemium Metals Brass Quintet
6:14 $0.99
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11. Brass Quintet No. 2: III. Allegro vivace
Proemium Metals Brass Quintet
5:39 $0.99
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ABOUT THIS ALBUM


Album Notes
ESCENAS CONTEMPORÁNEAS

QUINTETO DE METALES PROEMIUM METALS (http://www.proemiummetals.com/)
Ángel Hernández López (trompeta en pistas 8 a 11)
Juan Peralta Torrecilla (trompeta en pistas 8 a 11)
Ismael Cañizares Ortega (trompeta en pistas 1 a 7)
Nemesio García-Carril Puy (Trompa)
José Manuel Martínez Carrillo (Trombón)
José Luis Montero Navarro (Tuba)

ARTISTA INVITADO:
Francisco Gil Angosto (trompeta en pistas 1 a 7)

ORQUESTA UNIVERSIDAD DE GRANADA (http://veu.ugr.es/pages/musica/ougr)
DIRECTOR:
Gabriel Delgado Morán (http://gabrieldelgado.es/)


Escenas Contemporáneas es el proyecto más ambicioso que ha afrontado Proemium Metals desde su fundación. Desde un punto de vista conceptual, el objetivo de esta grabación es presentar distintas vertientes de la música contemporánea –a modo de diferentes escenas de una obra de teatro– en las que la agrupación del quinteto de metales se amolda a distintos estilos de la expresión musical contemporánea, mostrando la riqueza de colores, recursos técnicos y matices que un grupo de cámara de esta naturaleza puede llegar a ejecutar. En este objetivo se encarna la seña de identidad de Proemium Metals: la apuesta decidida por la innovación y el enriquecimiento del repertorio de viento metal en su lenguaje, color, temática y formas, trabajando interdisciplinarmente en estrecha colaboración con los compositores. No obstante, el hilo conductor entre estas escenas contemporáneas radica en que todas las obras que aquí se recogen no son partícipes ni herederas directas de los movimientos artísticos de las vanguardias y las post-vanguardias. En consecuencia, todas ellas tienen en común el rechazo a un lenguaje meramente experimental y a un espíritu transgresor, antiacademicista y rupturista. Por el contrario, no se rehúye a la búsqueda de la belleza sonora, la emotividad y los vínculos con la psicología del oyente forjado en la tradición.
El presente disco se divide en dos partes de aproximadamente media hora cada una: en la primera se ofrecen tres obras para quinteto de metales solista y orquesta, mientras que en la segunda se interpretan dos piezas para quinteto solo. La relevancia de Escenas Contemporáneas radica en varios aspectos. En primer lugar, todas las obras presentadas en este disco han sido estrenadas mundialmente por Proemium Metals, dándose la circunstancia de que cuatro de ellas han sido compuestas especialmente con ocasión de este proyecto. En segundo lugar, cabe destacar la aportación histórica que se realiza mediante ello al repertorio de la agrupación del quinteto de metales. Por una parte, las tres obras para quinteto de metales solista y orquesta vienen a paliar la significativa escasez de piezas de este género. Por otra parte, debido a su originalidad, a su alta calidad compositiva y a la dificultad técnica que plantean para su ejecución, las piezas para quinteto solo suponen la aportación de dos obras cumbre al repertorio general para este tipo de agrupación. Son estos, entre otros, los motivos que hacen de Escenas Contemporáneas una grabación de referencia dentro de la discografía para quinteto de metales.
Nuestro recorrido comienza con Petite Suite for Brass Quintet and String Orchestra (2015) de José González Granero. Estructurada en cinco movimientos contrastantes de corta duración (Overture, Valse, March, Interlude, Finale), su forma general se inspira en las suites tradicionales de origen barroco. El contraste característico del estilo de aquella época queda reflejado en la forma general de la obra. En efecto, en el primer, tercer y quinto movimiento se potencia la brillantez del sonido del metal, mientras que en el segundo y cuarto movimiento se busca la expresividad y dulzura de estos instrumentos. No obstante, la obra se ve enriquecida armónicamente mediante el empleo de un lenguaje post-romántico que combina la tonalidad tradicional con elementos modales –giros cadenciales del modo dórico en el Valse, la melodía del Interlude sobre el modo eólico, etc.–, politonales –como acontece en la Marcha, donde a un bajo obstinato en Mi bemol se superponen melodías en distintas tonalidades por parte del quinteto– y con el uso de acordes tradicionales con notas añadidas –como ocurre en el primer y quinto movimiento. Asimismo, en lo que atañe a la instrumentación, no se rehúye el empleo de recursos como el glissando, col legno, armónicos, sordinas, etc., que en la síntesis entre orquesta y quinteto permiten explorar colores de una gran originalidad. El resultado es una obra de una estética profundamente actual, pero en la que su lenguaje post-romántico permite mantener vínculos de familiaridad con el espectador sin perder un carácter evocativo, en ocasiones casi cinematográfico. Esta pieza fue compuesta a petición de Proemium Metals y estrenada en marzo de 2015.
A continuación, nos adentramos en dos obras que presentan una impronta estilística común: la tradición de la escuela romana en la que se formaron Valentí Miserachs, con una orientación más marcada por el post-impresionismo pucciniano, y Nemesio García Carril, de una inclinación más austera y sobria en las sonoridades. Este estilo romano, no obstante, se manifiesta en ambas obras en perfecta simbiosis con el carácter de la música tradicional de las regiones de origen sus compositores: Cataluña y Galicia, respectivamente.
Maternal, fantasia i fuga, es una obra en la que Valentí Miserachs pretende rendir un homenaje musical a Sant Martí Sesgueioles. Esta es la localidad donde nació y se crio en su infancia, y que ha supuesto posteriormente para él un lugar de refugio y “sanatorio” espiritual a lo largo de su vida, como si de la acogida en los brazos de una madre se tratara. Inicialmente ideada para cobla catalana y orquesta, la versión realizada por Luca Petrongari –y supervisada por el propio Valentí Miserachs– a petición de Proemium Metals para quinteto de metales y orquesta privilegia la integración y la concertación del quinteto con la orquesta en una amplia variedad de colores orquestales. Estructurada en dos grandes secciones –fantasía y fuga–, la obra está protagonizada por el tema de “La Dida”, melodía de carácter popular que aparece de manera preponderante a lo largo de toda la pieza. Basada en una sonoridad general del modo dórico pasando por distintos tonos, la fantasía comienza con un tema introductorio de ritmo ternario en el que se va anticipando en distintos momentos el tema de “La Dida”, que aparece más adelante plenamente expuesto por el oboe y el trombón. En contraste con ello, seguidamente se presenta un tema de creación propia del compositor en el violín y el violoncello, que se va viendo sucesivamente interrumpido por el tema principal con las intervenciones del quinteto. Finalmente, es el tema de “La Dida” el que acaba afianzándose con una acortada reexposición y constituyendo el sujeto de una fuga escolástica con la que concluye la obra, en la que las voces del quinteto dialogan de manera contrapuntística con el resto de elementos de la orquesta.
Por su parte, dentro del estilo compositivo de la escuela romana, Escenas de “Campana y Piedra” para quinteto de metales solista y orquesta de Nemesio García Carril nos traslada a una atmósfera específicamente gallega. Compuesta por encargo de Proemium Metals, el material temático de esta obra está tomado de los temas principales que Nemesio García Carril había ideado para la banda sonora de una producción cinematográfica –que constaba de una serie de televisión y película– que finalmente no se llegó a realizar debido al fallecimiento inesperado del productor momentos antes del rodaje: Campana y Piedra, basada en la novela Fragmentos de Apocalipsis de Gonzalo Torrente Ballester y con guion y producción de Jesús Navascués. La trama de la serie se iba a desarrollar en la Catedral de Santiago y su entorno. En virtud de ello, a lo largo de toda esta obra musical se evoca la atmósfera gallega, a pesar de que en ella no aparece ningún tema popular sino que todos ellos son de creación propia por parte del compositor. La alusión al espíritu gallego se logra especialmente por el diseño de las melodías y el tratamiento modal de las mismas. Semejante a una obertura en la que se presentan distintos personajes, en la pieza se suceden distintos temas. La obra comienza con una sección introductoria –caracterizada por la melodía de la trompa en el modo dórico sobre Re– que concluye una vez que el quinteto se presenta en su totalidad de manera solemne en valores largos. Esto da paso a una segunda sección en la que, bajo un carácter expresivo y desarrollándose también en el modo dórico –ahora sobre el tono de Mi–, quinteto y orquesta dialogan a la manera de doble coro hasta acabar fundiéndose para llegar al punto culminante. Tras una sección de transición, se llega a un nuevo tema –en este caso sobre el modo frigio– que es introducido por el oboe y desarrollado por el quinteto. Finalmente, se procede a una recapitulación con la reexposición del tema introductorio, que se continúa con una exposición y estrechos de fuga en tempo allegro –cuyo sujeto está extraído precisamente del tema introductorio– en la que el quinteto solo, a modo de candeza, exhibe toda su brillantez y virtuosismo.
Acto seguido comienza la segunda parte del disco con las obras para quinteto solo. Dedicada a Proemium Metals por Gustavo Díaz-Jerez, Anemoi es la obra que ofrece una estética más innovadora de entre todas las que aquí se presentan, tanto por la técnica empleada en su composición (uso de procedimientos algorítmicos, espectralistas, fractales y otros métodos empleados en la composición asistida con ordenador) como por el logro de colores absolutamente originales para quinteto los instrumentos de quinteto de metal. El término “Anemoi” (Άνεμοι) hacía referencia en la mitología griega a los vientos, en la que, al igual que el resto de agentes naturales, aparecían personificados a la manera de dioses para ofrecer una explicación sobrenatural del devenir de la naturaleza. Dentro de los Anemoi se identificaban cuatro dioses principales, que coincidían con los vientos que provenían de cada uno de los cuatro puntos cardinales: Bóreas, del norte, devorador y violento; Noto, del sur, destructor de las cosechas; Céfiro, del oeste, el más suave y favorable; y Euro, del este, que traía el calor y la lluvia. Desde un punto de vista formal, la obra presenta la clásica estructura tripartita: exposición, desarrollo y reexposición. Pese a que no hay una intención descriptiva explícita por parte del compositor, en la exposición se presentan cuatro subsecciones temáticas que manifiestan cuatro atmósferas contrastantes entre sí que pueden ser identificadas con los cuatro vientos principales: un coral expresivo generado por la imitación en canon al unísono entre trompetas y trompa, con aportaciones del trombón y tuba; una parte imitativa y contrapuntística de carácter nervioso y agitado; una sección homofónica muy marcada y violenta; y finalmente, otra parte homofónica de gran masificación pero menos incisiva. Tras un largo desarrollo en el que van apareciendo los distintos, temas tiene lugar la reexposición, que se encuentra acortada un 62% de acuerdo con la proporción áurea. En ella, los temas se suceden en orden inverso respecto a la exposición, concluyéndose con el coral –en el que las melodías aparecen ahora retrogradadas– que termina diluyéndose entre el soplo de los distintos vientos. Todo ello dentro de un lenguaje atonal, en el que la densidad cromática aparece muy cuidada y equilibrada, y donde el uso de la microtonalidad y de efectos con las sordinas confiere una estética única a la pieza.
La obra con la que concluimos nuestro periplo nos traslada a una estética próxima al neoclasicismo stravinskiano. Brass Quintet No. 2 de Derek Bourgeois fue compuesta en 1972 para el Philip Jones Ensemble. Sin embargo, la agrupación británica se negó a interpretar la pieza debido a su elevadísima dificultad técnica y, así, permaneció inédita hasta que en abril de 2014 fue estrenada mundialmente por Proemium Metals. La obra se estructura en tres movimientos. A la base formal de cada uno de ellos se encuentra –ya sea de una manera más o menos explícita, elaborada o distorsionada– el esquema clásico de la sonata tripartita en sus dos variantes: A-B-A o exposición-desarrollo-reexposición. En el primer movimiento, se comienza anticipando el tema A –de ritmo binario– mediante la presentación desarrollada de elementos de su cabeza (en la trompa) y de su cola (en la trompeta). El tema A no aparecerá perfectamente definido hasta su presentación a la octava por las dos trompetas. A continuación, una exposición de fuga sirve como transición hasta la segunda gran sección del movimiento. El sujeto de esta exposición de fuga –con cuatro contrasujetos en polirritmia y con las diferentes entradas de las voces a distancia de 3ª menor, configurando diacrónicamente el acorde de séptima de disminuida sobre sol sostenido– está basado en el tema A. Posteriormente, comienza a introducirse progresivamente el tema B –de ritmo ternario, en hemiolia respecto al compás binario del movimiento– intercalado en una lucha constante con elementos de la cola del tema A y de su acompañamiento rítmico. El tema B en su totalidad aparece presentado más adelante con entradas sucesivas con ligeras variantes en trompeta, trompa, trombón y tuba, siempre sobre una textura totalmente homofónica en valores largos, que contrasta radicalmente con el carácter rítmico del acompañamiento del tema A. Y súbitamente comienza la reexposición en la que el tema A reaparece primero en trompeta y trombón, y después en inversión interválica en trompeta y tuba. El segundo movimiento empieza con el mismo acorde (de quinta justa y sexta menor) y con los mismos instrumentos (trompa, trombón y tuba) con los que se iniciaba y concluía el primer movimiento, dando sensación de unidad y continuidad. Aquí encontramos un primer tema bucólico y expresivo que se expone en trompeta y tuba. A continuación, tras una imponente cadencia de trompeta que sirve de transición, aparece un segundo tema de un carácter agresivo y violento, cuyo inicio está basado en la cola del tema A del primer movimiento. Este segundo movimiento concluye con la reexposición del primer tema, ahora en pianísimo y con el color de los instrumentos tamizado por el empleo de las sordinas. La continuidad entre segundo y tercer movimiento se establece de nuevo armónica y tímbricamente, en esta ocasión por medio de las trompetas a distancia de tercera menor. La exposición del tercer movimiento presenta la particularidad de ser bitemática, con un tema A construido a partir de elementos de los temas del primer movimiento, y un tema B que es ejecutado por la trompeta con sordina y que pretende simular el carácter de una melodía improvisada y difusa. Tras ello, comienza el desarrollo sobre el tema A para pasar rápidamente a ser desarrollado el tema B, con una superposición de melodías sobre el bajo rítmico de la tuba que dan lugar a una textura caótica y de aparente improvisación simultánea de los distintos instrumentos. La reexposición aparece anunciada por las trompetas, nuevamente a distancia de tercera. Sin embargo, aquí se altera el orden de la exposición, pues se encuentra primero el acompañamiento del tema B –ahora en el registro subgrave de trompa, trombón y tuba– sin la melodía con sordina de la trompeta, y sólo después de esto es reexpuesto el tema A. La obra concluye con una coda de considerables dimensiones basada en el motivo que había iniciado este tercer movimiento. Todo ello se elabora dentro de un lenguaje armónico complejo, con gran presencia de disonancias pero en el que no se renuncia a las polarizaciones hacia ciertos tonos.
Concluida nuestro digresión por las obras que integran este disco, no quisiéramos concluir sin hacer explícito nuestro sincero agradecimiento a los miembros de la Orquesta de la Universidad de Granada por su colaboración y, en especial, a su director, Gabriel Delgado Morán, por haber confiado desde un primer momento en este proyecto y posibilitar la realización del mismo. Tampoco desearíamos dejar de mencionar que este proyecto no ha sido inmune a las vicisitudes planteadas por la actual crisis económica. A consecuencia de las precarias condiciones económico-laborales que tienen que soportar en la actualidad los jóvenes músicos españoles, Juan Peralta Torrecilla se vio obligado a abandonar contra su voluntad Proemium Metals en noviembre de 2014 y, del mismo modo, Ángel Hernández López se encontró imposibilitado de realizar las grabaciones con la orquesta. Ambos fueron brillantemente substituidos por Ismael Cañizares Ortega (nuevo miembro del quinteto) y Francisco Gil Angosto. Sin embargo, la vocación por la música y el amor por el trabajo que profesamos hacen que estos problemas, lejos de suponer un obstáculo, se constituyan en retos que desafían y permiten desarrollar nuestro espíritu de superación, lo cual deseamos que abra un atisbo de esperanza en otras muchas agrupaciones jóvenes que se encuentran en circunstancias parecidas a las nuestras. Deseamos que disfruten de este disco con la misma pasión que nosotros al grabarlo.

Nemesio García-Carril Puy

ESCENAS CONTEMPORÁNEAS

Escenas Contemporáneas is the greatest project that Proemium Metals has ever faced. From a conceptual point of view, the goal of this recording is to present different views within the contemporary music –as scenes of a play– where the brass quintet conforms different contemporary musical expression styles, showing the richness of colors, technical resources and nuances that a chamber music group of this nature can achieve to perform. In this target, the hallmark of Proemium Metals is embodied: the firm commitment to the innovation and the enrichment of the brass quintet repertoire in language, color, topics and forms, interdisciplinary working closely with composers. Nevertheless, the linking idea between these contemporary scenes lies in that all the pieces collected here are neither participants nor heirs of the avant-garde or the neo avant-garde tendencies. Accordingly, all of them have in common the rejection to a merely experimental language and to a lawbreaker, anti-academic and disruptive spirit. On the contrary, beauty, emotion and the connection with the psychology of the listener forged in the tradition are not shunned.
This recording is divided into two parts of approximately half an hour each: in the first one, three works for soloist brass quintet and orchestra are offered, whilst in the second one two pieces for solo brass quintet are performed. The relevance of Escenas Contemporáneas lies in several points. Firstly, all the works presented here have been premiered by Proemium Metals and, crucially, four of them have been especially composed for this project. Secondly, the historical contribution made by means of this project to the repertoire of the brass quintet chamber group. On the one hand, due to the shortage of works for soloist brass quintet and orchestra in repertoire, the three pieces offered here involve a prominent input. On the other hand, because of their originality, their highest compositional quality and the very high technical difficulty posed for their performance, the pieces for solo brass quintet presented here entail the incorporation of two outstanding works to the general repertoire of this kind of music chamber group. Among others, these are the reasons that make Escenas Contemporáneas to be a reference recording within the discography for brass quintet.
Our travel begins with José Gonzalez Granero’s Petite Suite for Brass Quintet and String Orchestra (2015). Structured in five movements (Overture, Valse, March, Interlude, Finale), it general form is inspired by the traditional baroque suites. The characteristic contrast of this historical style is reflected on the general structure of this piece. Indeed, whilst the brilliant sound of brass is sought in the first, third and fifth movements, the expressiveness and the sweetness of this kind of instruments are highlighted in the second and the fourth. Nevertheless, the work is harmonically enriched by means of a post-romantic language which combines the traditional tonal system with modal elements –over the Doric mode in the Valse and the Eolic mode in the Interlude–, polytonality –as happens in the March–, and the use of traditional chords with tones added –like we can hear specially in the first and fifth movements. In addition to these features, the employment of means such as glissando, col legno, harmonics, mutes, and the like, gives rise to very original colors within the synthesis between the quintet and the orchestra. The result is a work with an deeply actual aesthetics, but without breaking the familiarity links with the musical conceptual schema of the spectator. This piece was composed at the request of Proemium Metals and premiered on March of 2015.
Next, we enter two works that have a common stylistic imprint: the Roman School tradition in which Valentí Miserachs –with a more post-impressionistic puccinian influence– and Nemesio García Carril –with a more austere and sober tendency– were educated. However, this roman style is manifested in both works in a perfect symbiosis with the character of the traditional folk music of the regions of origin of their composers: Cataluña and Galicia, respectively.
Maternal, fantasia i fuga is intended by his author, Valentí Miserachs, to be a tribute to Sant Martí Sesgueioles. This is village where he was born and raised in his childhood, and that has subsequently meant for him a place of refuge and spiritual "sanatorium" throughout his life, as if the host in the arms of a mother is involved. Originally thought for cobla catalana and orchestra, the version for brass quintet and orchestra made by Luca Petrongari –and supervised by Valentí Miserachs– at the request of Proemium Metals favors the integration and the dialogue of the quintet with the orchestra in a widely variety of orchestral colors. Structured in two big sections –fantasy and fugue–, the work is carried up by the theme of “La Dida”, a folk melody that appears in a preponderant way throughout the piece. Based on a general sonority of the Doric mode over different tones, the fantasy begins with an introductory theme in ternary rhythm in which the theme of “La Dida” is anticipated in different moments, that appears later fully exposed by the oboe and the trombone. In contrast, a new theme self-created by the composer is introduced in the violin and the violoncello, but is continually interrupted by the main theme with interventions of the quintet. is the theme of "Dida" which just holding fast with a shortened recapitulation and constituting the subject of a scholastic fugue that concludes the work, in which the voices of the quintet dialogue of contrapuntal way with the other elements of the orchestra .
Meanwhile, within the roman school style, Escenas de “Campana y Piedra” para quinteto de metales solista y orquesta takes us to an atmosphere typical of Galicia. Composed at the request of Proemium Metals, the themes of this piece are taken from the main themes that Nemesio Garcia Carril had devised for the soundtrack of a film production, which consisted of a series of television and film: Campana y Piedra, based on the novel Fragmentos de Apocalipsis of Gonzalo Torrente Ballester and with script and production by Jesús Navascués. Finally, this film production was not carried out due to due to the unexpected death of the producer moments before shooting. The plot of the movie would have been developed in Santiago de Compostela Cathedral and its environment. Hence, throughout the work is permanently evoked the Galician atmosphere in spite of the absence of any folk theme: all the melodies are original from Nemesio García Carril. The allusion to the Galician spirit is especially achieved by the design of the melodies and the modal treating of them. Similar to an overture in which different characters are presented, in the piece various themes occur. The work begins with an introductory section -characterized by the melody of the horn in the Dorian mode over D- ending once the quintet is presented in its entirety solemnly on long values. This leads to a second section that, under an expressive character and also evolve in the Dorian mode -now over de E tone-, quintet and orchestra converse in the manner of double choir to finish merging to reach the climax. After a transition section, a new theme is reached -in this case on the Phrygian mode- so that is introduced by the oboe and developed by the quintet. Finally, a summary with the reprise of the introductory theme takes place, which is followed by an exposition and stretti of a fugue in tempo allegro -whose subject is precisely extracted from the introductory theme- in which the quintet only, for candeza exhibits all his brilliance and virtuosity.
Then begins the second part of the disc with works for quintet alone. Dedicated by Gustavo Díaz Jerez to Proemium Metals, Anemoi is the work among all presented here that offers a more innovative aesthetics: from the technique employed in its composition (using algorithmic, espectralists, fractals procedures and other methods used in computer-aided composition), to the achievement of absolutely original colors for brass instruments. The term "Anemoi" (Άνεμοι) referred in Greek mythology to winds, which, like other natural agents, appeared personified in the manner of gods to deliver a supernatural explanation of the evolution of nature. Within the Anemoi, for main gods were identified, which correlate with the winds from the four cardinal points: Boreas, from the north, consuming and violent; Noto, from the south, destroying crops; Zephyr, from the west, the more smooth and friendly; and Euro, from the east, bringing heat and rain. From a formal point of view, the work presents the classical tripartite structure: exposition, development and re-exposition. Although there is not a description intended by the composer, within the exposition four thematic sections manifesting four contrasting atmospheres are presented, and each of them can be taken to correspond to the four winds: an expressive coral generated by the canonic imitation between trumpets and horn, with inputs of trombone and tuba; an imitative and contrapuntal part in a nervous and shaken character; a homophonic section sharped and violent; and finally, a homophonic section again but with a heavy mass sound and less sharped. After a long development in which the different themes appear, the re-exposition takes place, shortened a 62% in accordance with the Golden Section. There, the themes occur in reverse order to the exhibition, concluding with the coral –in which the melodies are retrograded- that ends diluted between different winds blow. The whole piece is developed within an atonal language in which the chromatic density appears very carefully balanced, and where the use of microtonality effects and mutes confers a unique aesthetic to the work.
The work with which we conclude our journey takes us to an aesthetic close to Stravinsky's neoclassicism. Derek Bourgeois’ Brass Quintet No. 2 was composed in 1972 for the Philip Jones Ensemble. However, the British group refused to play the piece due to its very high technical difficulty and thus remained unperformed until April 2014, when it was premiered by Proemium Metals. The work is divided into three movements. The formal basis of each of them is -either more or less explicitly, prepared or distortioned- the classical scheme of tripartite sonata in its most common two variants: ABA or exposition-development-recapitulation. The first movement begins with the anticipation of the A theme –a rhythmically binary one- through the presentation of its head and tail elements in a developer way. The A theme will not appear perfectly defined until its presentation in octave by the two trumpets. Next, a fugue exposition serves as a transition towards the second big section of the movement. The fugue exposition subject is based on the A theme and its four occurrences take place at the interval distance of a 3rd minor, diachronically setting the seventh minor chord over G sharp. Moreover, the fugue exposition subject is accompanied by four polirhythmical controsoggetti. Later, the B theme is progressive bringing in, by intercalating it in a persistent fight with elements of the A theme tail and its rhythmical accompaniment. In contrast with the A theme, the B theme is rhythmically ternary, hemiolical in respect to the binary general time of the movement. The B theme will appear completely presented later, having successive occurrences throughout the trumpet, horn, trombone and tuba, always over a fully homophonical texture that contrasts with the rhythmical character of the A theme accompaniment. And suddenly the exposition begins, in which the A theme reappears first in trumpet and trombone, and afterwards in interval inversion in trumpet and tuba. The second movement begins with the same chord (perfect fifth and sixth minor) and with the same instruments (horn, trombone and tuba) with which it began and ended the first movement, giving a feeling of unity and continuity. Here we find a bucolic and expressive first theme set out in trumpet and tuba. Then, after a stunning trumpet cadence serves as a transition, it appears a second theme of aggressive and violent, whose start is based on the tail of the A theme of the first movement. This second movement ends with the recapitulation of the first theme, now in pianissimo and color screening instruments for the use of dampers. The continuity between second and third movement is set back harmonious and timbrically, this time through minor third interval between the trumpets.
The last movement exposition has the particularity of being bi-thematic. it has a theme A built from elements of the themes of the first movement, and a B theme that is executed by the muted trumpet and aims to simulate the character of an improvised and fuzzy melody. After that, it begins the development of the movement on the A theme, quickly passing to develop the B theme, with an overlay of rhythmic melodies on the bass tuba leading to a chaotic and apparent simultaneous improvisation of different instruments texture. The re-exposition appears announced by the trumpets again in the distance of a third minor. However, the exposition order is altered here. Indeed, we find first the B theme without the melody, only with the accompaniment (now in the horn, trombone and tuba subwoofer register), and only after that is the A theme re-exposed. The work concludes with a coda of considerable dimensions based on the motive that it had initiated this third movement. All this is made within a complex harmonic language, with great presence of dissonances but in which polarization to certain tones is not rejected.


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